Die 11 Besten Arthouse-Horrorfilme

2024 Autor: Francis Oldridge | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 20:37

Slashers und Folterfilme sind alle gut und schön, aber manchmal sucht Ihr Gehirn nach mehr als mutwilligem Blutvergießen im Halloween-Film.

Es ist eine unglückliche Tatsache der Filmkritik, dass Horror wahrscheinlich das am meisten unterschätzte aller Genres ist. Horrorfilme werden von Kinogängern häufig als trashig oder schlicht angesehen und von der Akademie fast völlig ignoriert. Sie gelten normalerweise als billiger Nervenkitzel für sadistische Zuschauer.

Wissenschaftler haben wiederholt versucht, den Horror vor seinem schlechten Ruf zu bewahren, indem sie auf die latenten feministischen Motive im gesamten Genre hingewiesen und die avantgardistischen Bestrebungen selbst der Filme mit dem kleinsten gemeinsamen Nenner zur Kenntnis genommen haben. In der Zwischenzeit suchen echte Autoren regelmäßig nach Horror, um sich inspirieren zu lassen, und haben einige ihrer größten Kreationen hervorgebracht, während sie die Dunkelheit in sich erkundeten.

Vor diesem Hintergrund haben wir eine Liste der unterbewerteten Arthouse-Kinos für den abenteuerlustigen Horrorfan zusammengestellt.

(Inhaltswarnung: Alle folgenden Filme zeigen extreme körperliche und sexuelle Gewalt.)

Raw (2016)

Aufgrund des grassierenden Sexismus in der Filmindustrie gibt es leider nur wenige von Frauen inszenierte Horrorfilme, aber es ist für jeden bekannt, der weiß, dass Frauen genauso viel oder mehr als Männer zum Genre beigetragen haben. Das melodramatische Horror-Meisterwerk Raw des französischen Regisseurs JuliDucournau ist ein Beispiel für die vollständige Beherrschung des Genres: In der surrealistischen und futuristischen Veterinärschule kämpfen zwei Schwestern gegen ihren unerklärlichen Kannibalismus. Obwohl die Prämisse wild ist, ist die Geschichte gruselig untertrieben und nachdenklich: Hat die Genetik der Mädchen sie dazu verdammt, Wendigos zu werden, oder ist es eine Metapher für die unglückliche und untrennbare Verbundenheit, die wir alle mit unseren Familien haben?

Höhepunkt (2018)

Regisseur Gaspar Noé wurde bekannt für seine psychedelischen Erkundungen des Todes in Filmen wie Enter the Void und Irreversible. Climax verwendet weitgehend die gleiche Kameraarbeit und exzentrische Farbpaletten wie seine früheren Arbeiten, gibt jedoch den philosophischen Vorwand auf, was diesen Film weitaus weniger anspruchsvoll macht. Die Prämisse: Die französische zeitgenössische Tanztruppe aus Ballsaalschlägern und Breakdancern feiert die letzte Nacht vor der großen Aufführung, wenn jemand viel zu viel Säure in alle Getränke tropft. Die Truppe wird wahnsinnig, während sie ein letztes Mal ihre Routinen übt. Dann bricht Gewalt aus - ein Soundtrack mit französischer House-Musik, die den Bass schlägt. Es sind die Körper der Tänzer, die sich verziehen, drehen und in Vergessenheit geraten, die den eindringlichen Hintergrund bilden, auf den die totalen Zusammenbrüche der Protagonisten übertragen werden.

Antichrist (2009)

Regisseur Lars Von Trier hat mit seiner neueren Filmproduktion sicherlich das tiefe Ende erreicht, aber der Antichrist bleibt zutiefst beunruhigend, wenn es um extremen Nihilismus und depressive Psychosen geht. Charlotte Gainsbourg und Willam DeFoe spielen ein Ehepaar, dessen Kind auf tragische Weise gestorben ist. Sie ziehen sich in ein ruhiges Häuschen im Wald zurück, wo sie anfangen, über die Natur des Bösen nachzudenken. Es wird klar, dass keiner der beiden jemals die Realität wirklich fest im Griff hatte, und sie beginnen sich selbst zu verstümmeln - im wahrsten Sinne des Wortes -, während sich ihre geistige Gesundheit auflöst. Von Triers These ist, dass die menschliche Existenz letztendlich von Natur aus hasserfüllt und ekelhaft ist, ebenso wie dieser Film. Aber es ist auch unglaublich schön, auf die seltsamste und traurigste Art und Weise.

Inland Empire (2006)

David Lynchs obskure und unergründliche Kosmologie wird mit seinem letzten Langspielfilm zu ihrem logischen Abschluss gebracht. Dieser mehr als 3-stündige, nicht erzählende Albtraum beginnt mit LaurDern, der eine Schauspielerin spielt, die möglicherweise den Verstand verliert oder nicht, und versehentlich den Fluch aufdeckt. Was von dort aus passiert, ist nicht genau erklärbar, aber es ist sicherlich schrecklich. Spielt sie mehrere Charaktere oder hat sie mehrere Persönlichkeiten? Hat sie einen Nervenzusammenbruch oder bröckelt die Realität um sie herum? Verwirrend in die Filme eingebunden sind Szenen aus Lynchs verlassenen surrealistischen Anti-Comedy-Kaninchen, in denen humanoide Hasen in unzusammenhängenden und inkohärenten Klischees sprechen, gepaart mit einer nervenden Lachspur. Lynchs Kinematographie bleibt durchweg dunkel üppig, obwohl die tatsächlich dargestellten Ereignisse völlig inkohärent sind. Es ist zutiefst beängstigend und - irgendwie - auch ziemlich spirituell.

Suicide Club oder Suicide Circle (2001) + Norikos Esstisch (2006)

Japans Selbstmordrate war zeitweise eine der höchsten in den Industrieländern - aber aufgrund kultureller Tabus blieb das Thema sowohl in psychologischen als auch in künstlerischen Untersuchungen unterbewertet. Der Suicide Club hat Kontroversen umworben, indem er das Thema direkt aufgegriffen hat. In diesem traumhaften Meisterwerk erkundet Regisseur Sion Sono eine Art allgegenwärtige kulturelle paranoiamidste groteske Geistergeschichte, die über der Verschwörung der Popkultur liegt. Die erste Sequenz des Films, in der eine ganze Klasse von Schulmädchen vor einen fahrenden Zug springt, der zu optimistischem Stadtpop punktet, ist irgendwie sowohl lustig als auch traumatisch. Der Film ist definitiv kampflustig - es gibt sogar eine von Rocky Horror beeinflusste Musiknummer, die genau in die Mitte fällt -, aber die Geschichte wird am Ende zu etwas viel Unheimlicherem.

Norikos Dinner Table, der sowohl als Fortsetzung als auch als Vorläufer des Suicide Club dient, gibt den Humor seines Vorgängers völlig auf. Der Film untersucht den Kummer, den die Familie eines der Mädchen aus der Eröffnungsszene des ersten Films empfindet. Über eine obskure Agentur stellen sie junge Schauspielerinnen ein, um ihre Tochter beim Abendessen zu spielen, weil sie sie so sehr vermissen. Aber während sie trauern, wird ihre Trauer zunehmend wahnhaft, bis sich herausstellt, dass möglicherweise die ganze Zeit heimliche und apokalyptische kriminelle Organisationen schuld waren. Norikos Dinner Table ist eine wirklich verdrehte Fortsetzung der Geschichte des Suicide Clubs und eine ernsthaft krankhafte Meditation darüber, wie Trauer jemanden dazu bringen kann, sich total schizophren zu fühlen.

Die Zelle (2000)

Lassen Sie sich nicht von den Headlinern des Films (Jennifer Lopez und Vince Vaughn) täuschen, dass dies ein schlichter Schlock ist. The Cell ist ein glamouröser Horrorfilm, der von der legendären Eiko Ishiok (oft bekannt für ihre maßgeschneiderte Couture, die häufig von Björk getragen wird) kostümiert wird. Regisseur Tarsem Singh nahm ein ziemlich langweiliges Science-Fiction- / Horror-Drehbuch über Psychologen, die durch den Kopf eines Serienmörders reisten, und verwandelte es in ein Avantgarde-Experiment durch opulentes Produktionsdesign und eine exquisite gotische Fantasie, die von Künstlern wie Trent Reznor, Odd Nerdrum und inspiriert wurde Damien Hirst. Es ist eine Schande, dass so vielen Horrorfilmen diese Art von akribischem visuellem Styling und Fantasie fehlt - denn ansprechende Bilder können selbst die banalsten Geschichten in spannende Fantasien verwandeln.

Videodrom (1983)

Als ein auf sensationelles Material spezialisierter Schurken-TV-Manager eine U-Bahn-Station entdeckt, in der Videos von brutalisierten Frauen abgespielt werden, gerät er in eine verwirrende geheime Subkultur voller Sadomasochismus. Die Dinge werden seltsamer, als sein Körper beginnt, sich in etwas Unmenschliches zu verwandeln, bis er bekanntermaßen einen VHS-Spieler / eine Vagina in seinem Magen entwickelt. Wenn die Beschreibung eigenartig klingt, ist der Film selbst noch beunruhigender. Cronenberg aktualisiert Lovecrafts Horror, indem er es mit der Baudrillardschen Philosophie verbindet. Das Ergebnis ist genau so desorientiert, wie es sich anhört.

Otto oder Up With Dead People (2008)

Der schwule Pornograf Bruce LaBruce arbeitet normalerweise im Bereich Erotik und dreht oft die Tropen blauer Filme auf den Kopf: Darsteller, die beim Sex das Kommunistische Manifest rezitieren, oder leidenschaftliche Erkundungen der nackten Körper von Neonazis. Seine Eintritte in den Horror sind seltsam und stark sexualisiert, aber Otto ist auch peinlich süß. Darin schlendert der gleichnamige schwule Zombie durch Ödland, bis er ein Duo avantgardistischer Filmemacher trifft, die den untoten Helden als ihren Hauptdarsteller besetzen. Kann er seine Sucht nach menschlichem Fleisch zügeln - oder ist sein Zombieismus nur eine Metapher für die Einsamkeit der schwulen Identität? Mit Musik von Cocorosie überschreitet Otto die Grenzen von Porno und Horror - kein Wunder, dass der Regisseur nur wenige Jahre nach dem Debüt dieses Films in der MoMretrospective ins Rampenlicht gerückt wurde.

Dogtooth (2009)

Familienporträt furchtbar schief gelaufen: Was passiert, wenn ein kontrollierender und gewalttätiger Vater seine Kinder von der Welt fernhält und ihnen jahrelange Fehlinformationen darüber gibt, was draußen passiert? Und was passiert dann, wenn diese Kinder anfangen, Sex zu entdecken? Was in Momenten als friedliche - wenn auch etwas ungewöhnliche - Atomwelt erscheint, wird von Ausbrüchen extremer Boshaftigkeit unterbrochen. Es gibt auch eine Handvoll wirklich komischer Momente: Wie sieht Tanzen aus, wenn Sie noch nie jemanden gesehen haben, der es tut? Es ist unklar, welche moralische Botschaft Regisseur Yorgos Lanthimos mit diesem abscheulichen visuellen Gedicht auszudrücken versuchte: Warnt er vor der inhärenten Feindseligkeit der Vaterschaft? Ablehnung heterosexueller Fortpflanzungspraktiken? Der Film wurde von Kritikern gefeiert und für einen Oscar nominiert - eine extreme Seltenheit für griechische Kinogänger -, gewann aber nicht. Die Akademie wollte wahrscheinlich etwas weniger … beunruhigend.

Salò oder die 120 Tage von Sodom AKPasolinis 120 Tage von Sodom (1975)

Der weithin angesehene italienische Regisseur Pierre Pasolini wagte sich mit seiner Adaption der 120 Days Of Sodom des Marquis De Sade in die Tiefen menschlicher Grausamkeit. In seiner Neuinterpretation werden die im Buch dargestellten Indignitäten in die Welt des faschistisch besetzten Italiens übertragen. Der Wahnsinn übernimmt die Rolle einer Gruppe böser Libertinen, die junge Männer und Frauen entführen, um sie als Objekte ihrer sexuellen Bosheit zu verwenden. Der Film ist größtenteils ein unaufhörlicher Marsch von Folterszenen, durchsetzt mit dunklen surrealistischen Fantasien: beunruhigende Betrachtung der Tiefen des Bösen und der sexuellen Politik des Autoritarismus. Obwohl der Film häufig (und verständlicherweise) als völlig unbeobachtbar angesehen wurde, erlebte er eine kritische Wiederbelebung, nachdem Regisseur John Waters ihn als persönlichen Favoriten bezeichnet hatte.