Revisiting Classic Albums: Die Dunkle Seite Des Mondes Von Pink Floyd

2024 Autor: Francis Oldridge | [email protected]. Zuletzt bearbeitet: 2023-12-16 20:37

Nur wenige Schallplatten in der Musik haben die legendären Höhen der Dunklen Seite des Mondes erreicht. Pink Floyds berauschender Triumph ist zu einer eigenen Marke geworden, mit einer Ästhetik, die über die Grundlage des Progressive Rock hinausgeht. Allein der Name zaubert sofort das Prismen-Cover, das auf alles geklebt wurde, von Autoaufklebern und T-Shirts bis hin zu Schwarzlichtplakaten und sogar Autos.

Ja, das Album passt erschreckend gut zum Beginn von The Wizard of Oz (ungewollt, sagt die Band). Aber es ist auch musikalisch ein Meisterwerk, das innovative Sounds mit Produktionsfinesse kombiniert, die seiner Zeit weit voraus war. Das Ergebnis ist eine Platte, die von Anfang bis Ende flüssig spielt und von experimentellem Rock, Blues, Jazz und künstlerischem Studioexpressionismus beeinflusst wird.

Die Band war in den 70ern bekannt. Die Mitglieder versammelten sich um den Ansatz des Konzeptalbums und gruppierten Songs, die sich um ein direkteres und zusammenhängenderes Thema drehten. Der jüngste Abgang des Gründungsmitglieds Syd Barrett und seine mentalen Kämpfe sowie der anstrengende Akt, in der Blütezeit der klassischen Rock-Ära eine prominente Rockband zu sein, ließen Pink Floyd über den Wahnsinn nachdenken. Anstatt raumgreifende oder analoge Tracks zu schreiben, würde die Band Dinge wie Gier, Tod und Wahnsinn tot in die Augen sehen.

Interessanterweise sollte das Album ursprünglich etwas sein, das Pink Floyd in seiner Gesamtheit spielen und als einzelnes Touring-Objekt herumschleppen würde. Ursprünglich als Dunkle Seite des Mondes bezeichnet: Stück für verschiedene Wahnsinnige, sollte es Tonnen von extrliven Bühnengeräten wie Psystem und 28-Spur-Mischpult beinhalten. Letztendlich gelangte es zu den Abbey Road Studios, wo Alan Parsons half, es der Welt zugänglich zu machen.

Die Überlagerung von Samples und Effekten ist schon jetzt, fast fünfzig Jahre später, beeindruckend. Denken Sie daran, dass das Stapeln solcher Aufnahmen im Jahr 1973 anstrengend war und alles auf Band durchgeführt wurde, manchmal mit mehreren Mischern, die gleichzeitig arbeiten. Das Album fügt sich wunderbar in alles ein, von Feldaufnahmen bis hin zu Flashcard-Antworten von Studiomitarbeitern (am bekanntesten: „Warum sollte ich Angst vor dem Sterben haben?“Zu Beginn von „The Great Gig in the Sky“). Ebenso unterhaltsam ist die Legende, dass Roger Waters auf Sessions verzichten würde, um seine Lieblingsfußballmannschaft Arsenal zu sehen, und dass die Band manchmal Monty Python dem Spielen vorziehen würde.

Das Album beginnt mit einem passenden Herzschlag-Sample (und endet auch so), das organisch in den wellenförmigen ersten E-Gitarren-Akkord von „Speak to Me“übergeht. Zu diesem Zeitpunkt befindet sich der Hörer bereits unter Wasser, in einem Walgesang, der resonant und seltsam beruhigend ist.

Durch "On The Run" werden die Bedingungen unheimlich. Der Hörer hat das Gefühl, als betrete er die Dunkelheit der Psyche, mit dröhnenden Geräuschen, die mit manischem Lachen und einem enormen Maß an Spannung verflochten sind. "Time" besitzt ein Intro, für das jede Band töten würde, mit einem wunderschönen Aufstandsbogen, der von exzellenten, gemessenen Percussion gekrönt wird. Das Lied zeigt ein großartiges vokales Zusammenspiel zwischen David Gilmour und Richard Wright sowie eine zeppelinartige Gitarrenarbeit.

Dann "The Great Gig in the Sky", das schwierigste Lied der Welt, um Vikaraoke zu covern. Es zeigt die Session-Sängerin Clare Torry, die absolut verrückt ist, eine Art Gesangsreise, die sich nicht wiederholen lässt. Die Geschichte besagt, dass sie sich nach der Aufnahme für ihre Intensität entschuldigte, nur um von der Band mit Lob überschüttet zu werden. Ihre Vocals verebben und fließen wie die Flut selbst während dieses Ozeans des Liedes.

"Geld" ist unheimlich und bluesig und erinnert uns an die Gefahren, die mit der Währung verbunden sind. Allein die Basslinie von Roger Waters ist berühmt. Wenn Sie ordentliche Proben von Münzen und Registrierkassen einwerfen, haben Sie das Rückgrat des Hip-Hop, bevor es das Genre überhaupt gab. Die Platte schwankt dann entlang vi „Us and Them“, einem berührenden, hymnischen Song, der von Synthesizern, Blechbläsern und großem Hintergrundgesang unterstützt wird. Wie ein gequältes Genie strahlt der Song sowohl Potenzial als auch Gefühl der Angst aus, huscht zu beiden Enden des Spektrums, kehrt aber immer wieder zu Gilmours beruhigendem Gesang zurück.

Der Song geht sauber in "Any Color You Like" über - so sehr, dass man leicht vergisst, dass es sich um zwei separate Tracks handelt. Während es auf dem gesamten Album ziemlich viel Jamming gibt, ist es bis zu diesem Punkt ziemlich zugeknöpft. Hier lassen sie los und spielen etwas, das Sie in den frühen Morgenstunden mehr vom Keller erwarten als das berühmte Aufnahmestudio.

Die letzten beiden Schläge von "Brain Damage" und "Eclipse" bilden das perfekte klimatische Finale für das Album. Verrücktheit ist eingedrungen und besonders bei letzterem Lied herrscht ein Gefühl der Unterwerfung. Es ist eine schwellende, klangliche Erinnerung daran, dass wir im Gesamtschema der Dinge so klein sind und dass all diese Dualitäten (Leben / Tod, Schöpfung / Zerstörung, Kaufen / Stehlen) alberne Leckerbissen unter der doppelten Kraft von allen, der Sonne, sind und der Mond.

Seltsamerweise ist es nicht der einzige 42-minütige Schallblock, in den es sich lohnt, ab 1973 mit dem Kopf voran einzutauchen. Noch seltsamer ist, dass die dunkle Seite des Mondes mit jedem kommenden Jahr verlässlicher zu werden scheint. Da es sich um das immer aktuelle Thema der Bewältigung der modernen Welt handelt, könnte die Aufzeichnung in weiteren fünfzig Jahren noch besser sein. Während Roboter die Macht übernehmen, die digitale Technologie den Horizont überspannt und Autos anfangen, sich selbst zu fahren, wird dieses monumentale Rock-Album weiterhin der Soundtrack von uns allen sein, die verrückt werden.